De, la lecture

Et si 2017 c'était ça!

Paul Gauguin, Aimons-nous les uns les autres
 

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"Dans la lecture, l'amitié est soudain ramenée à sa pureté première. Avec les livres, pas d'amabilité. Ces amis-là, si nous passons la soirée avec eux, c'est vraiment que nous en avons envie. Eux, du moins, nous ne les quittons qu'à regret. Et quand nous les avons quittés, aucune de ces pensées qui gâtent l'amitié : Qu'ont-ils pensé de nous? - N'avons-nous pas manqué de tact? - Avons-nous plu? - et la peur d'être oublié pour tel autre. Toutes ces agitations de l'amitié expirent au seuil de cette amitié pure et calme qu'est la lecture."

[...]

 "Et c'est là, en effet, un des grands et merveilleux caractères des beaux livres (et qui nous fait comprendre le rôle à la fois essentiel et limité que la lecture peut jouer dans notre vie spirituelle) que pour l'auteur ils pourraient s'appeler "Conclusions" et pour le lecteur "Incitations". Nous sentons très bien que notre sagesse commence où celle de l'auteur finit, et nous voudrions qu'il nous donnât des réponses, quand tout ce qu'il peut faire est de nous donner des désirs."

Marcel Proust, in Journées de lecture, éditions Fata Morgana, 2006.

Je me suis livrée, le jour de la Saint Sylvestre, hier, à mon petit exercice de lecture. Cette année, pas de mise en scène pour cet enregistrement, au pied levé, que j'aurai dû refaire; le trac n'aidant pas, je bafouille d'entrée avec le mot Marcel. Tant pis, je laisse ce premier jet. Extrait de l'ouvrage de Marcel Proust lu ce week-end de Saint-Sylvestre.

(Texte retranscrit ci-dessous)

"Les théories de William Morris, qui ont été si constamment appliquées par Maple et les décorateurs anglais, édictent qu'une chambre n'est belle qu'à la condition de contenir seulement des choses qui nous soient utiles et que toute chose utile, fût-ce un simple clou, soit non pas dissimulée, mais apparente. [...] A la juger d'après les principes de cette  esthétique, ma chambre n'était nullement belle, car elle était pleine de choses qui ne pouvaient servir à rien et qui dissimulaient pudiquement, jusqu'à en rendre l'usage extrêmement difficile, celles qui servaient à quelque chose. Mais c'est justement de ces choses qui n'étaient pas là pour ma commodité, mais semblaient y être venues pour leur plaisir, que ma chambre tirait pour moi sa beauté. [...] [...] [...] Je laisse les gens de goût orner leur demeure avec la reproduction de chefs-d’œuvre qu'ils admirent et décharger leur mémoire du soin de leur conserver une image précieuse en la confiant à un cadre de bois sculpté.  Je laisse les gens de goût faire de leur chambre l'image même de leur goût et la remplir seulement de choses qu'il puisse approuver. Pour moi, je ne me sens vivre et penser que dans une chambre où tout est la création et le langage de vies profondément différentes de la mienne, d'un goût opposé au mien, où je ne retrouve rien de ma pensée consciente, où mon imagination s'exalte en se sentant plongée au sein du non-moi : je ne me sens heureux qu'en mettant le pied - avenue de la Gare, sur le port ou place de l’Église - dans un de ces hôtels de province aux longs corridors froids où le vent du dehors lutte avec succès contre les efforts du calorifère, où la carte de géographie détaillée de l'arrondissement est encore le seul ornement des murs, où chaque bruit ne sert qu'à faire apparaître le silence en le déplaçant, où les chambres gardent un parfum de renfermé que le grand air vient laver, mais n'efface pas, et que les narines aspirent cent fois pour l'apporter à l'imagination, qui s'en enchante, qui le fait poser comme un modèle pour essayer de le recréer en elle avec tout ce qu'il contient de pensées et de souvenirs; où le soir, quand on ouvre la porte de sa chambre, on a le sentiment de violer toute la vie qui y est restée éparse, de la prendre hardiment par la main quand, la porte refermée, on entre plus avant, jusqu'à la table ou jusqu'à la fenêtre; de s'asseoir dans une sorte de libre promiscuité avec elle sur le canapé exécuté par le tapisser du chef-lieu dans ce qu'il croyait le goût de Paris; de toucher partout la nudité de cette vie dans le dessein de se troubler soi-même par sa propre familiarité, en posant ici et là ses affaires, en jouant le maître dans cette chambre pleine qu'aux bords de l'âme des autres et qui garde jusque dans la forme des chenêts et le dessin des rideaux l'empreinte de leur rêve, en marchant pieds nus sur son tapis inconnu; alors, cette vie secrète, on a le sentiment de l'enfermer avec soi quand on va, tout tremblant, tirer le verrou; de la pousser devant soi dans le lit et de coucher enfin avec elle dans les grands draps blancs qui vous montent par-dessus la figure, tandis que, tout près, l'église sonne pour toute la ville les heures d'insomnie des mourants et des amoureux."

 

Impossible de retrouver mes billets d'autres années avec mes lectures à voix haute. Les aurais-je supprimés... un jour de pudeur (*_*) et de lucidité? Pas impossible. 

En m'écoutant, je me dis que la lecture à voix haute est un art et si l'on ne possède pas ce talent, il est préférable de transcrire des extraits de livres plutôt que de les lire à haute voix. Il est probable que dans quelque temps je supprime cette voix, monotone. Je parle de livre délicieux, succulent; que de mièvres mots pour parler de ceux de Proust. C'est vrai, j'ai le trac, j'ai toujours été nulle à l'oral (et ce ne sont pas mes amoureux qui me contrediront!). Je n'allais tout de même pas me droguer pour lire ces quelques pages. Bigre, lisez-le livre et ne vous fiez pas à cette lecture qui ne donne absolument pas à entendre l'exaltation de Marcel Proust pour parler de ses souvenirs : de chambre, d'odeur, d'enfance, de lecture, de grand-tante, de cuisinière...

A propos des notes, auxquelles il faut absolument se reporter en cours de lecture de cet ouvrage, il écrit ceci : 

"J'ai essayé de montrer dans les notes dont j'ai accompagné ce volume que la lecture ne saurait être [ainsi] assimilée à une conversation, fût-ce avec le plus sage des hommes; que ce qui diffère essentiellement entre un livre et un ami, ce n'est pas leur plus ou moins grande sagesse, mais la manière dont on communique avec eux, la lecture, au rebours de la conversation, consistant pour chacun de nous à recevoir communication d'une autre pensée, mais tout en restant, c'est-à-dire en continuant à jouir de la puissance intellectuelle qu'on a dans la solitude et que la conversation dissipe immédiatement, en continuant à pouvoir être inspiré, à rester en plein travail fécond de l'esprit sur lui-même."

Lundi 2 janvier

La trêve des confiseurs est finie, youpi! Que la fête commence!

"C'est un petit trou pas cher"

Le temps a passé depuis cette journée à Pont-Aven... Je pensais en faire un billet, commencé le jour même puis, les prémices d'une longue crise de vertiges débutèrent le soir pour se manifester plus sérieusement trois jours plu tard, me laissant comme d'habitude K.O. durant des semaines, même si j'ai pu écrire par-ci par-là, pour combattre cette fatigue.

Dimanche 6 novembre.

J'arrivais à Pont-Aven à midi et quart je sentais aussitôt que la saison touristique était terminée. J'allais donc pouvoir profiter du calme pour visiter le musée "rénové" qui avait attiré une foule de visiteurs depuis sa réouverture au printemps. Mais auparavant - le musée n'ouvrait qu'à deux heures - je devais  déjeuner,  légèrement. Je traversais la ville en voiture, et me dirigeais vers la petite brasserie sympathique au bord de l'Aven; arrivée à sa hauteur, je vis les stores tirés, elle était fermée. Flûte. Je me garais un peu plus loin, m'arrêtais et me dirigeais à pieds vers une autre brasserie, ouverte mais vide de clients; à côté, une crêperie guère plus attirante. Je reprenais ma voiture et faisais demi-tour, retraversais la ville et me garais tout en haut, près d'un restaurant : Le Petit Bouchon. - Et si j'allais là? me dis-je. Ça me rappellera nos agapes lyonnaises (je pensais à toi). Puis en regardant les menus, je n'avais plus faim, passais mon chemin et allais sur celui de Xavier Grall au bord de la rivière. 

"Xavier Grall acheta en 1973 une vieille ferme à restaurer à Bossulan, y écrivant entre autres un recueil intitulé Rires et pleurs de l'Aven. Une promenade et une stèle en granite portant un médaillon à son effigie le commémorent sur les rives de l'Aven."

Le restaurant italien était fermé, pour congés! Il était déjà presque 13 heures.

Je tentais alors une brasserie-crêperie assez tristoune - pourtant avec vue sur la rivière - il y avait quelques clients. 

J'entrais par l'arrière sans même regarder l'ardoise du jour et le patron vint vers moi. Je lui demandais si je pouvais déjeuner, j'apercevais des tables libres. - Je peux vous mettre ici, me dit-il en me montrant trois tables vides dans l'entrée - glaciale!!! - du restaurant. - Je préfèrerais côté rivière, lui dis-je en lui montrant les tables libres. - C'est une table de quatre, me dit-il; vous êtes seule et serez très bien ici, avec nous! Autant manger dans la soute d'un avion ou dans la salle des machines d'un paquebot, avec un officier- mécanicien (mais oui, il y en a), ce serait sûrement plus sympa. Hum! - Non merci et je suis partie; je ne regrettais pas, c'était très moche à l'intérieur et j'imagine que le reste devait suivre. Je continuais ma recherche, vers le centre il n'y avait que des brasseries "pour touristes", sans clients. Je poursuivais ma prospection, sous un ciel bleu et une belle lumière d'automne.
Je passais devant Le Moulin de Rosmadec et, par curiosité, je consultais la carte, les menus et, les prix!

Ce n'était pas plus pour moi. C'est une auberge pour fêter un événement ou pour des amoureux, gourmets. J'en garde le souvenir d'un déjeuner, avec toi : un homard avec une sauce à se lécher les babines, en regardant couler la rivière, en buvant un grand vin, en riant, en jubilant. Que fêtions-nous? Avec toi, tout était prétexte à une fête et un bon restaurant quand tu vendais une toile. J'y suis retournée, des années plus tard, avec mon Bézo pour arroser avec elle je ne sais plus quoi; rien en fait. Je l'avais invitée, sans fêter quoi que ce soit; nous nous baladions simplement dans Pont-Aven. Nous nous étions arrêtées devant Le Moulin, j'avais regardé la carte, le plat le moins cher, c'était un Poulet grillé à l'américaine et je lui avais dit : allez, je t'offre ce plat, le reste est trop cher, ça te dit? - Oh mais non! C'est beaucoup trop cher là-d'dans, me dit-elle; et on avait franchi la porte en bois, nous étions là-d'dans;-), dans cette entrée sombre aux murs de pierres, qui menait vers la salle du restaurant, lumineuse, donnant sur la rivière. C'est aussi cela que l'on paie et ça vous met en appétit.

Bon, cette fois, il fallait absolument que je déjeune quelque part, le temps passait, j'avais un peu faim. Du coup, je me dirigeais vers le Musée (qui ouvrait à 14 h) et là, je vois l’entrée d’un hôtel dans le prolongement du Musée, une ardoise sur le trottoir qui proposait des choucroutes alsaciennes ou choucroutes de la mer à 14,50 euros. Et c’était vraiment une bonne pioche. La salle du restaurant était presque pleine mais j’ai eu une table, accueil aimable, dans une ambiance assez feutrée, on peut même dire : désuète, comme j’aime, sans bruit, sans musique, un service impeccable, des nappes de la jolie vaisselle, les murs remplis de tableaux, École de Pont-Aven; bref, je me disais : incroyable ce prix à l’ardoise pour un dimanche. Il y avait bien sûr d'autres propositions de menus ou à la carte, des formules, mais la choucroute de la mer que je voyais dans les assiettes de mes voisins me suffirait amplement. Je passais la commande à l'avenante patronne. Mon verre de Gewurtz me fut servi par le "maître d'hôtel" qui me présenta la bouteille déjà entamée, je tartinais un petit morceau de pain avec le beurre demi-sel (je n'aime que le doux) et mon plat arriva rapidement; hop! personne ne me regarde, petite photo :

C’était vraiment bien, bon; les desserts avaient l’air pas mal mais après ma choucroute (j’ai tout dévoré) de la mer (trois poissons, moule, palourde, crevette, langoustine), un café - même pas gourmand - m’a suffi (servi avec un petit morceau de gâteau au chocolat et des noisettes de chocolat savoureuses !)

Une adresse à recommander. Rapport qualité/prix : excellent. Et, je ne savais pas encore que je venais de déjeuner dans un lieu mythique! (Je vais y revenir). Le hasard m'est parfois me fut favorable. Une clientèle repas-du-dimanche, locale, m'a-t-il semblé, voire des habitués; tablées de famille et quelques couples en tenue plus décontractée (comme moi), probablement des touristes.

Pour l'heure, il était temps que j'aille au musée, avant qu'une queue de visiteurs s'installât.

Je commençais par l'exposition en cours au deuxième étage (celle des Rouart était terminée, je n'avais pas eu le courage de me mêler à la foule des visiteurs mais j'ai eu tort; ce que j'aie pu en voir m'a paru intéressant) de photographies : L'oeil du chantier, avec de superbes tirages en noir et blanc. J'en capturais quelques-unes, de visages d'hommes que je trouvais beaux par leur regard, leur expression, leur naturel, leur vérité, leur humanité. Ils dégageaient quelque chose qui me chamboulait.C'était un hommage à ceux qui avaient œuvré à la rénovation du Musée.

"De 2013 à 2015, les artisans ayant œuvré à la réalisation des travaux du nouveau Musée de Pont-Aven sont passés sous le viseur du photographe brestois Dominique Leroux. Devenu professionnel en 1993, après avoir pratiqué la photographie de spectacle, il collabore avec des magazines tels que Libération, Paris Match. En 1996, il participe à la création du Centre Atlantique de la Photographie à Brest et réalise le reportage photographique des travaux du tramway de la métropole brestoise. L’exposition au Musée de Pont-Aven présente une sélection de photographies mettant en scène les ouvriers du chantier à travers une galerie de portraits, ainsi qu’une sélection de vues du bâtiment en pleine évolution."

Je poursuivais ma visite par les salles rénovées en redescendant au premier étage, la Salle Julia. Je jetais alors un coup d’œil vers le rez-de-chaussée; j'avais eu une bonne idée en venant de bonne heure, la file d'attente s'allongeait.

Je m’attardais un peu sur l’historique du Musée et des artistes qui avaient fréquenté (avec Gauguin) l’hôtel attenant : la Pension Gloanec qu’on appelait aussi L’hôtel Julia du nom de son hôtesse (voir ci-dessus), célèbre par la "joyeuse colonie" d'artistes qui s'y retrouvait. 

"La véritable découverte de Pont-Aven par le monde artistique date de 1864 : en juillet de cette année-là, un jeune peintre américain, Henry Bacon voyage en diligence entre Concarneau et Quimperlé où il se rend pour prendre le train et la diligence fait halte à Pont-Aven qu'il découvre donc par hasard. Il est séduit par ce village [...] 

 « C'est le plus joli village de France que j'avais vu jusqu'à présent, avec son pont étrange au-dessus d'une rivière rapide, qui fait tourner plusieurs roues à eau pittoresques et s'en va vers la mer, à peu de distance. »

(Vidéo de décembre 2015 mais on n'y voit pas les "roues". 

Attention, baisser le son)

Henry Bacon, de retour à Paris, en parle à ses amis artistes, et notamment à Robert Wylie, qui arrive à Pont-Aven en 1865 (il y séjourne jusqu'en 1876), vite rejoint par d'autres jeunes artistes américains originaires de Philadelphie  et des peintres anglais comme Lewis et Carraway. Jean-Léon Gérôme, qui enseigne à l'École des beaux-arts de Paris encourage ses élèves à se rendre l'été à Pont-Aven et de nombreux jeunes peintres suivent ses conseils dans les quinze années qui suivent ; parmi eux, des Français comme William Bouguereau, Louis-Nicolas Cabat, Léon Germain Pelouse, Sébastien Charles Giraud, Paul Sébillot, Maxime Lalanne, etc., mais aussi des étrangers comme le Hollandais Herman van den Anker, l'Irlandais Auguste Nicolas Burke, le Canadien Paul Peel, etc. Tous ces artistes sont attirés par la beauté de la campagne environnante et le faible coût de la vie (« C'est un petit trou pas cher », note le peintre Armand Jobbé-Duval). Ils séjournent à l'hôtel des Voyageurs, tenu à partir de 1871 par Julia Guillou, l'hôtel du Lion d'Or, à la pension Gloanec, ou encore au manoir de Lezaven.

 « [Vers 1870], la colonie compte déjà une cinquantaine de membres. Leur nombre ne cessera d'augmenter. En 1883, la municipalité se voit obligée d'interdire les débits de boisson après 22 h tant la joyeuse colonie mène grand bruit ! Sa réputation, le gite et le couvert bon marché, pousse Gauguin en difficulté financière à s'y installer. L'auberge Gloanec devient son quartier général. »

"Colonie d'artistes à Pont-Aven"

J'avais souvent visité ce Musée avant sa rénovation mais je l'avoue j'y venais seulement pour les expositions de peinture temporaires et je ne connaissais son histoire et celle de Pont-Aven - surnommée la cité des peintres et célèbre pour ses galettes - que superficiellement, comme une touriste qui visite un lieu où vécu Paul Gauguin! avant ou après avoir écumé les galeries (comme on dirait avoir écumé les bars;-)) dont il fallait faire le tri (il était assez vite fait). Et puis, on ne prend son temps que quand on est seule. Poursuivons... j'entrais dans la Salle Julia et regardais par les fenêtres (j'aime beaucoup regarder par les fenêtres dans les musées, les châteaux, les bâtiments historiques); en fait, dès lors que je suis enfermée quelque part, je m'évade par la fenêtre. J'ai sans cesse le regard tourné vers l'extérieur; c'est étrange - ou pas - pour une solitaire. Parfois, ce que j'aperçois dehors est en accord avec le lieu où je suis; on pourrait dire : il n'y a pas de fausse note!

Je m'approchais des vitres et, surprise, découvrais une galerie de peinture Galerie Julia. J'étais certainement passée devant celle-ci lors de mes précédentes promenades à Pont-Aven, sans connaître l'histoire de cette Julia! Je prenais ces photos.

(Je me perds dans les détails et mes billets n'en finissent plus). Allez, courage. Je commençais donc à avoir mal aux gambettes et je remontais cette fois au dernier étage. (Je fais toujours tout dans le désordre, le mouton noir qui ne suit pas le troupeau). Dernière étape de ma visite au Musée : la peinture les tableaux de la collection permanente! Bon, je vais élaguer élaguer élaguer, mettre quelques photos, pas très réussies et pourtant, les œuvres - pour la plupart (quelques restrictions) - ont un éclairage satisfaisant.  Néanmoins, l'étage réservé aux expos temporaires (celle des photos ce jour-là) me paraît d'une architecture bien mieux conçue pour la mise en valeur des œuvres. A vérifier donc lors de la prochaine expo temporaire. Je suis  étonnée de découvrir deux œuvres abstraites (1960) de Deyrolle pour démarrer l'exposition, en regard avec son Autoportrait au figuier (1941) figuratif.

Jean Deyrolle (1911-1967)

Hernet, opus 637

1960

Jean Deyrolle se dirige vers l'art abstrait dès 1946, après une première période figurative influencée par Paul Sérusier et les Nabis. Je me souvenais  d'avoir découvert cet artiste lors d'expositions à Douarnenez et Concarneau il y a quelques années. Ces peintures abstraites ne me touchaient pas ni celles que j'avais pu voir auparavant.

Cette photo, trouvée sur flick...

 ... et la mienne (Hum!)
 

En faisant mes recherches, plus tard, sur Internet, je trouvais cette photo de Jean Deyrolle et Jeannine Guillou (qui fut la première compagne de Nicolas de Staël. Quelques photos ont disparues de mon billet; sans doute étaient-elles interdites de copyright. Cependant, je ne cache jamais mes sources).

Paul Sérusier (1864-1927)

La Grammaire ou L’Étude, 1892

De loin, je repérais celui-ci (photographie pourrie (0_0)

mais je le trouvais beau. Influence du Japonisme.

Wladyslaw Slewinski, Pivoines dans un vase, 

Huile sur toile, vers 1899

(J'aime tout dans ce tableau. On parle de sa "palette aux couleurs sombres et éteintes". 
C'est cette "matité" qui est intéressante).

Un peu d'humour...

Paul Gauguin, Aimez-vous les uns les autres, 1894,

Monotype aquarellé sur papier japon

"De 1893 à 1903, Gauguin réalise des dessins-empreintes à exemplaire unique. L'image ambiguë illustre l'injonction biblique "Aimez-vous les uns les autres" conférant à la fois une dimension spirituelle et une touche d'humour à l’œuvre."

(J'en ai acheté quelques exemplaires en carte postale. Hi!)

De l'obscurité jaillit la lumière...

Otto Hagborg (1854-1927), Menuiserie à Pont-Aven 1898

Huile sur bois.

Don des Amis du Musée de Pont-Aven

"Peintre suédois, Otto Hagborg étudie les beaux-arts à Paris entre 1880 et 1883. Il affectionne particulièrement les scènes de genre et les paysages, ce qui l'encourage à faire les voyages en Bretagne à plusieurs reprises, de 1883 à 1886. Il rencontre Paul Gauguin à Pont-Aven."

Avant de mettre fin à ma visite...

Georges Lacombe (1868-1916), L'Aimée, vers 1893-1894

Crayon gras sur papier

Don des Amis du Musée de Pont-Aven

Je terminais par ce tableau... sans savoir, à ce moment-là, que j'avais déjeuné dans cette bâtisse ce dimanche!

Vu sous l'angle ci-dessous, j'avais l'impression de mieux saisir la perspective*

(Hum! Mon aimé doit rire dans sa barbe... s'il m'entend là où il est est. Comme si on pouvait changer la perspective  d'une image, rien qu'en la regardant. Why not!)

 Gustave Loiseau (1865-1935), L'Hôtel Julia à Pont-Aven, 1928

 

(Ce tableau est bien plus lumineux que sur mes photos)

"Gustave Loiseau est né à Paris en 1865. Son père le destine au commerce mais, dès l’adolescence, il est attiré par le dessin et l’aquarelle. Placé chez un décorateur, il abandonne tout pour se consacrer à la peinture, après avoir reçu un héritage de sa grand-mère. Il fréquente, en 1888, l’Ecole des Arts Décoratifs puis l’atelier du peintre Fernand Quignon en 1889, qui lui conseille d’aller à Pont-Aven.

Arrivé en mai 1890 à Pont-aven, il loge à la Pension Gloanec où il rencontre Maufra et Moret. Il y reviendra chaque été.

Encouragé par Maufra, il expose à la galerie Le Barc à Boutteville en 1891 et au Salon des Indépendants en 1893. En 1894, il fait partie du groupe qui entoure Gauguin. Ce dernier l’apprécie et lui offre une nature morte « Fleurs, iris bleu, oranges et citron ». Loiseau participe cette année aux 6è, 7è et 8è expositions des peintres Impressionnistes et Symbolistes chez Le Barc avec des paysages dont « matinée de septembre à Pont-Aven » et « crue de l’Aven »."

J'avoue avoir eu du mal à faire la distinction entre la Pension Gloanec et l'Hôtel Julia.

"En 1891, après la vente de son auberge, "La Mère Gloanec" ouvre "l’hôtel Gloanec" sur la grande place à coté de "l'hôtel Julia" de "Mademoiselle Julia" Guillou (1848-1927). La Mère Gloanec est l'une des trois célèbres aubergistes de Pont-Aven."

"C’est en 1891 que Joseph et Marie-Jeanne Gloanec propriétaires de la Pension Gloanec, achetèrent sur la Place la grande Maison d’angle. Ils la firent abattre et remplacer par une Maison de Ville. Ce fût « L’hôtel Le Gloanec ».

[...]

En 1930 la famille Le Gloanec abandonne l’hôtellerie. La maison change alors de main et de nom.

Et c’est ainsi que débute l’histoire de « L’Hôtel Les Ajoncs d’Or ».

L’Hôtel doit son nom à la Fête de la Fleur d’Ajoncs créée par Théodore Botrel, grande fête folklorique qui se tient encore aujourd’hui, chaque année le premier Dimanche d’Août."

Je préfère L'Hôtel Julia de Gustave Loiseau à celui devenu Les Ajoncs d'Or. Oups! (Je parle peinture). Mais donc, c'est bien à l'ancien Hôtel Julia que j'ai déjeuné.

Et, je ne suis pas la seule à trouver que cet hôtel mérite qu'on s'y arrête. Je le découvre ici.

* Perspective

Le Musée de Pont-Aven sera fermé en janvier 2017 et n'ouvrira que le 4 février. La prochaine exposition n'est pas annoncée. Y aller - de préférence - lors des expositions temporaires; ce n'est pas un conseil, c'est un avis très personnel n'étant sensible à l’École de Pont-Aven qu'avec modération (mais donc pas totalement insensible).  On peut voir également des peintres de cette école au Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Figuration poétique ET lyrique!

Marc Chagall peignant Les Arlequins 1938-44

(Crédit photo Archives Marc et Ida Chagall, Paris)

On nous parle souvent, en évoquant sa peinture, de poésie. C'est avec ce regard que j'ai donc découvert l'exposition : Chagall, de la poésie à la peinture à Landerneau au Fonds Hélène et Edouard Leclerc. On pourrait dire aussi que sa peinture est musicale voire lyrique. Lyrique oui, pourquoi pas, cette définition correspond bien à ce que j'ai ressenti. Hop! Je le classe dans la Figuration lyrique sans même savoir si cette catégorie existe en peinture, comme existe, l'Abstraction lyrique. Vérification faite : il n'y a pas de Figuration lyrique!

"Son œuvre, sans se rattacher à aucune école, présente des caractéristiques du surréalisme et du néo-primitivisme. Inspirée par la tradition juive, la vie du shtetl (village juif en Europe de l'Est) et le folklore russe, elle élabore sa propre symbolique, autour de la vie intime de l'artiste. Chagall s'est essayé, outre la peinture sur toile, à la gravure, à la sculpture, à la poésie, à la peinture sur vitrail, sur émail, etc."

(Source Wikipédia, Marc Chagall).

Trois cents œuvres exposées! Vertigineux. Ces œuvres proviennent de collections privées et de musées internationaux. Sachant que je serai incapable de voir toutes ces œuvres, j'ai rapidement regardé le plan de l'exposition représentant les thèmes  importants.

LES GRANDS THÈMES - LE CIRQUE - SCULPTURE ET CÉRAMIQUE - LA GUERRE, L'EXIL - LA BIBLE - LES FABLES DE LA FONTAINE - LA RUSSIE/VITESBK.

Par quoi allais-je commencer si je ne voulais pas suivre les flèches (il n'y en avait pas, heureusement), façon de parler. Je décidais alors, de ne rien décider (0_0) - pas de chronologie*  - et d'avancer en repérant  déjà, de loin, ce qui attirait mon regard, puis, de m'attarder sur des œuvres qui n'étaient pas cachées par un visiteur. Je savais d'emblée qu'il me serait plus ardu de parler de Marc Chagall que de la dernière exposition Alberto Giacometti.

* "Chagall est un artiste qui privilégie la narration dans ses peintures sans respecter le déroulement chronologique des événements. Ces œuvres juxtaposent ainsi plusieurs niveaux de temps : souvenirs de sa jeunesse, épisodes de sa vie présente, actualité..."

"Marc Chagall, né Moïshe Zakharovitch Chagalov, est né le 7 juillet 1887 à Liozna, près de Vitebsk, en Biélorussie (alors intégrée à l'Empire russe). Il a été naturalisé français en 1937 et est mort le 28 mars 1985 à Saint-Paul de Vence dans le sud de la France. Il aura ainsi traversé deux guerres mondiales, une révolution, deux exils, des départs, des voyages et des installations incessantes.
Il est l'un des plus célèbres artistes installés en France au XXe siècle avec Pablo Picasso."

Marc Chagall, Entre chien et loup (1938-1943)

Huile sur papier marouflé sur toile 100 x 73 cm

 

"Chagall décide, avec son épouse Bella et sa fille Ida, de quitter la France en 1941 pour les Etats-Unis. Il y retrouvera de nombreux autres artistes qui ont fui la barbarie nazie : Léger, Duchamp, Masson, Zadkine, Breton, Ozenfant." 

En faisant quelques recherches sur Marc Chagall j'ai visionné cette vidéo, très intéressante (même si on ne parle pas couramment l'anglais, il est assez aisé de comprendre ce qui est dit). C'est ludique, pédagogique, avec quelques documents, dont la période parisienne à La Ruche qui me touche plus personnellement. A voir, cette vidéo sur Chagall, si intéressés.

 

Dans cette période parisienne, je découvre le tableau ci-dessous 
(il ne figure pas dans l'exposition, mais peut-être m'a-t-il échappé) :

Paris, à travers la fenêtre de son atelier, 1913.

Et ce visage (en bas à droite) double face, bleu-blanc,

il tient un cœur dans sa main.

Il allait réaliser le tableau Entre chien et loup 
(affiche de l'exposition ci-dessus)  entre 1938-1943.
J'y voyais une ressemblance... ou plutôt une liberté retrouvée.

"Tableau où s'associent divers signes :

- un ciel transformé en grand drapeau bleu, blanc, rouge

- une Tour Eiffel évanescente d'où semble descendre un parachutiste (façon rationnelle de voler)

- un métro-jouet, les roues en l'air, qui fait allusion au métro sous-terrain

- un chat à tête humaine (souvenir des salles égyptiennes du Louvre)

- deux petits personnages flottant dans une brume qui monte de la Seine

- un personnage à double tête qui tient un cœur dans sa main : une face tournée vers Vitebsk, l'autre vers Paris et le cœur, signe de l'amour qui le liait à Bella

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Structure binaire de l'univers chagallien qui fait se rejoindre le rêve et la réalité, le présent et le souvenir, l'humain et l'animal, le visible et l'invisible

Chat à tête d'homme en équilibre sur le rebord de la fenêtre et qui veille à la frontière entre le dehors et le dedans."

  

Ici également, des œuvres commentées. (En revanche, je trouve les couleurs des tableaux reproduits "sursaturées"). Que vais-je pouvoir dire maintenant. Rien de plus, rien de mieux, (mon billet pourrait s'arrêter là, avec cette vidéo) sauf à parler plus particulièrement de l'exposition de Landerneau et ne pas trop me disperser.

Marc Chagall, Bella son épouse, Ida sa fille

 Bella posant pour le Double portrait, 1925, Paris

Je parcourais rapidement le Journal de l'exposition offert aux visiteurs dans lequel nous pouvions notamment lire l'entretien entre Meret Meyer (MM, fille de Ida Chagall), Jean-Louis Prat (JPL, Commissaire artistique) et Michel-Edouard Leclerc (MEL, qu'on ne présente plus;-)). Bien avant avoir vu ou lu quoi que ce soit sur l'exposition, il y a quelques mois en faisant une recherche sur le Nu dans l'art, je découvrais celui-ci de Marc Chagall, Nu mauve, qui ressemblait - me semblait-il - à celui que ma nièce venait d'acquérir d'un autre artiste, contemporain mais sans comparaison de cote, hum! (une huile sur toile de 1966, une peinture au couteau, épaisse dans des tons pourpres) et je m'y attardais, il m'intéressait. Ma priorité fut, non pas de chercher ce tableau mais de ne pas le rater pendant ma visite, je voulais vérifier de visu s'il me plairait autant que sur la photo que je regardais. (Je le découvris donc plus loin et, en fait, il ne ressemblait pas du tout à celui de ma nièce que je n'ai vu que sur photo et qui est bien plus abstrait lyrique ;-);  le Nu (pourpre) de son tableau ne se devine que pour un œil avisé; il est très beau (la chanceuse). J'aimais ce Nu mauve de Chagall sans pouvoir dire pourquoi. C'est le genre de tableau que l'on doit pouvoir regarder chaque jour en y trouvant toujours quelque chose de nouveau. J'ai complètement raté la photo en gros plan, celle-ci trouvée sur la Toile (mais couleurs de l'original moins vives) :

 Marc Chagall, Nu mauve, 1967

Huile et sable sur toile, 140 x 148 cm

Collection privée

  

Néanmoins, j'ai quelques photos de ce Nu mauve, avec d'autres tableaux.

(Sans flash, tout est sous-exposé)

"J'ai toujours considéré les clowns, les acrobates et les acteurs, comme des êtres tragiquement humains qui ressembleraient, pour moi, aux personnages de certaines peintures religieuses." (Marc Chagall)

La Danse, 1950-1952

Huile sur toile de lin 238 x 176 cm

Centre Pompidou, Paris  

Ce n'est qu'en rentrant chez moi que je lisais ceci :

Extrait de l'entretien du Journal de l'exposition :

MEL (Michel-Edouard Leclerc) - Au final quelle est l’œuvre que vous préférez dans l'immense production de Chagall?
MM (Meret Meyer) - Le Nu mauve... Pour sa force et sa puissance. A l'encontre de l'image qu'il donnait, Chagall regardait la peinture des autres artistes, des artistes contemporains qui niaient la peinture, et répondait par la peinture. Ce tableau en est une expression. Il y met à l’œuvre des techniques qui lui permettent de densifier sa peinture et de la réinterroger en même temps.

Parenthèse terminée. Poursuivons.  

Ce tableau était renversant

(Ma photo, une de plus, était vertigineusement ratée. Mmm!

J'emprunte celle-ci.

Marc Chagall avait la tête à l'envers quand il l'a signé)

L'Homme à la tête renversée, 1919

 Huile sur carton marouflé sur bois
H. 57 ; L. 47 cm

Collection particulière
© Adagp, Paris 2015 – Chagall ®

Il faut tout de même préciser que si cette exposition présente près de 300 œuvres de Marc Chagall, sont inclus dans ce chiffre des dessins sur papier, des lettres, des ouvrages illustrés :

"L'exposition révèle les différentes rencontres  de Chagall avec les poètes et les écrivains de son temps - d'où son titre "de la poésie à la peinture". Chagall a connu tous les grands poètes, depuis Guillaume Apollinaire, jusqu'à Max Jacob, en passant par Louis Aragon ou Blaise Cendrars. Si l'on connaît bien l'attachement de Chagall à la musique, on le connaît moins à travers ses grands livres illustrés qui montrent véritablement son intérêt pour les mots qui alimentent en permanence les nuances de sa palette. 

D'où l'originalité et l'intérêt de l'exposition présentée à Landerneau. Elle reflète une partie de son œuvre moins connue." (Jean-Louis Prat).

 Voici Max Jacob

Ma Vie 3

1922

Encre et crayon sur papier à lettre glacé

(Cliquer sur l'image pour lire)

Autoportrait au sourire, 1924-1925

Eau-forte et pointe sèche

Épreuve d'essai

  Dédicace "à Tériade, amicalement, Chagall Paris"

Parenthèse : Cet autoportrait me rappelait (au moment où je le regardais) - dans le trait, pas dans l'expression - un de ceux de Rembrandt. Mais en le revoyant (ici), je me rends compte de mon erreur!

 

Autoportrait : Rembrandt aux yeux hagards, 1630

Eau-forte et burin sur papier

Puis, en faisant mes recherches, je trouve par hasard ce texte :

"Je suis certain que Rembrandt m’aime »

La leçon des grands maîtres de la gravure

est perceptible chez Chagall, particulièrement celle de Rembrandt.

Plusieurs illustrations bibliques effectuées

par Chagall rappellent les gravures du

grand peintre de l’Ecole hollandaise. Elles

s’en rapprochent notamment par

l’utilisation de la technique du clair-obscur, les effets de contraste,

et enfin par l’aspect très humain conféré aux anges

Celui-ci dessous ne me rappelait rien... (enfin si : Tal-Coat, Fautrier...)

Je l'aimais bien.

J'y voyais deux visages "nimbés" d'une même auréole.

  

Marc Chagall, Autoportrait (Tête au nimbe), 1911

Huile sur carton marouflé avec bordage kraft

Collection privée

(Et je poursuis ma visite d'une manière complètement désordonnée)

Le Marchand de bestiaux, 1922-1923

Huile sur toile

Centre Pompidou Paris

Musée national d'art moderne

Centre de création industrielle

Dation, 1988

En dépôt au musée de Grenoble

LES FABLES DE LA FONTAINE

Le Coq et le Renard

 

Le Chat et les deux Moineaux, 1927

Aquarelle et gouache sur papier

Collection Larock-Granoff, Paris

(Photo empruntée ici)

Le Renard et les Raisins, 1926-1927

Aquarelle et gouache sur papier

Collection Larock-Granoff, Paris

J'aime le tableau ci-dessous, ses couleurs, tant sur le fond que sur la forme. Cette femme à cheval sur ce coq géant en l'étreignant et ce couple sur la barque.

Le contraste des couleurs est meilleur sur cette photo trouvée ici

 

Le Coq, 1928-1929

Huile sur toile, 81 x 65 cm

Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Je photographiais la maquette du Plafond de l'Opéra, mais bien entendu, il n'en ressortait pas grand chose. Je me souvenais d'un passage du livre de David McNeil (fils de Marc Chagall), Dans les pas d'un ange, où il racontait qu'il avait participé au "coloriage" de cette maquette avec son père.

"Réalisé en un an (en 1964), ce plafond rassemble tout ce qui "fait" Chagall : couleurs, foisonnements de personnages ailés, de fleurs, d’instruments de musique... Et dans la foule de détails, on peut même trouver le peintre lui-même mais aussi André Malraux qui apparaît dans le panneau dédiée à "Pelléas et Mélisande" de Debussy. La fresque rend en effet hommage à quatorze compositeurs et à leurs œuvres."

"Il organise l’espace du plafond en cinq compartiments, chacun porté par une tonalité différente. Ainsi accorde-t-il au bleu Moussorgski et Boris Goudounov, Mozart et La Flûte enchantée ; au vert Wagner et Tristan et Isolde, Berlioz et Roméo et Juliette ; au blanc, Rameau associé au Palais Garnier et Debussy à Pelléas et Mélisande ; le rouge correspond à Ravel et à Stravinski dont Chagall avait réalisé les décors et les costumes de Daphnis et Chloé et de L’Oiseau de feu.

Enfin, le jaune fait référence à Tchaikovski et Alfred Adam et aux ballets Le Lac des Cygnes et Giselle. En une ronde joyeuse se mêlent les figures tendres des couples légendaires, des personnages ailés, des toits de Vitebsk et des monuments parisiens."

Dans le Journal de l'exposition, au sujet de cette œuvre :

MEL - La rencontre avec Malraux a été importante pour Marc Chagall...
JLP   - André Malraux en effet a été d'une aide précieuse, un soutien, jusqu'à la fin de sa vie. Pensez à la réalisation du plafond de l'Opéra national de Paris, au Palais Garnier. C'est une œuvre unique, remarquable, dont on n'a pas fini d'admirer la présence. Un révélateur de son génie créateur et des connivences nombreuses qu'il a toujours maintenues avec les textes mais aussi avec la musique, le ballet et la mise en scène.

La réalisation de ce plafond suscita néanmoins de nombreuses critiques et polémiques. 

J'étais intéressée par le cubisme du tableau ci-dessous.

Je ne l'ai pas photographié. Photo empruntée (Source)

Dédié à ma fiancée, 1911

Huile sur toile, 196 x 114,5 cm

Kunstmuseum, Bern

Extrait Journal de l'exposition :

MEL - Et vous, Jean-Louis, quelle est l’œuvre que vous préférez dans l'immense production de Chagall?

JLP   - J'aime beaucoup Dédié à ma fiancée.

Cette composition est réalisée en 1912 (?), et le titre a été donné par Blaise Cendrars, qui vivait lui aussi à La Ruche. Il donnera plusieurs titres à d'autres œuvres de Chagall, dont il était l'ami très proche. 

C'est une œuvre que je tenais beaucoup à faire venir à Landerneau. On y lit, quand il est à Paris, son besoin de peindre et d'écrire ce qui lui manque, sa fiancée qui n'est pas là, Bella, qu'il retrouvera et épousera après son retour en Russie.

C'est extrêmement émouvant, mais au-delà du sujet, c'est pour l'époque, un vrai renouveau pour la peinture. On est dans un expressionnisme très fort et une poésie qui se fixent dans un sujet peu banal. Ce que Guillaume Apollinaire a appelé un art surnaturel.

MM  - Ce tableau est certainement la meilleure illustration de ce que Chagall a apporté de nouveau à Paris alors que les clés de lecture pour comprendre ce tableau ne sont pas évidentes. L'animal est en fait un homme déguisé avec une tête de taureau, habité par une forte connotation sexuelle. La fiancée n'est pas présente du tout hors par la ferveur en rouge vif qui imprègne tout le tableau.

On y retrouve surtout toutes les réminiscences russes dont la mascarade à travers les coutumes du carnaval qui permettent la métamorphose de l'homme en animal et de l'animal en homme. 

Il y a aussi de nombreux éléments d'art populaire : la femme représentée qui gicle, comme propulsée dans le haut du tableau. On y reconnaît un foulard russe, un morceau de nappe russe et une lampe cassée en deux tombée à droite...  Avant le titre de Cendrars, le tableau s'appelait La lampe et les deux personnes. Il a été exposé sous ce titre au Salon des Indépendants.

Quelques Sculptures et Céramiques

Deux têtes à la main 

ou Deux têtes, une main. 1964

Épreuve en marbre

Collection privée

Maternité

ou Vierge à l'Enfant

ou Mère et Enfant. 1952

Bronze

Collection privée

Au premier plan La Bête fantastique 

ou l’Âne ou Cheval fantastique, 1952. Bronze

Au second plan Le Coq, 1952. Bronze

(D'autres photos ici)

... "rester humble devant la matière"

L'Horloge, 1950-1952
Céramique murale 12 carreaux
Peinture aux engobes et aux oxydes sur émail blanc

Collection privée 

L'horloge fait partie des motifs récurrents dans les œuvres de Chagall.

Marc Chagall dans son atelier avec Pablo Picasso

(Photo capturée dans le Journal de l'exposition)

J'approchais de la fin de l'exposition. J'avais vu tant de choses qu'il me faudrait "digérer", comprendre. Mes recherches, pour faire ce billet qui peut paraître long n'est pourtant qu'un mini-billet vraiment très mini, sur l’œuvre immense de cet artiste, m'ont permis de compléter ma vision de l'artiste et de son Œuvre. Je pensais y être relativement insensible, j'avais une espèce de préjugé, j'avais décrété : "ça ne te passionnera pas". Peut-être! En tout cas, ça m'a bigrement intéressée et j'en suis sortie avec une certaine allégresse. Tous ces êtres, ces animaux qui volent et chutent même dans le ciel m'avaient donné des ailes!

L'Arc-en-ciel, 1967

Huile sur toile de lin AM 1998-90

Centre Pompidou, Paris

En dépôt au Musée d'Art Moderne et Contemporain de Strasbourg

 

Le Cirque bleu, 1950-1952

Huile sur toile de lin

Centre Pompidou, Paris

En dépôt au Musée National Marc Chagall, Nice

La Chute d'Icare (à gauche), 1974-1977
Huile sur toile 213 x 198 cm

En gros plan, image Google

(Cliquer pour agrandir)

"Songez que c'est un homme de quatre-vingt-dix ans qui peint des tableaux aussi important que Job, La Famille, La Chute d'Icare, Don Quichotte, sur des thèmes majeurs de la littérature." (Jean-Louis Prat)

La toile ci-dessous est la dernière, non pas de l'exposition, mais sur laquelle je me suis attardée. Elle me rappelait des souvenirs... aux Baux de Provence, mais sur le tableau de Chagall (encore une photo un peu floue!) il s'agit de Saint-Paul de Vence.

La Table devant le village, 1968.

Huile sur toile

Collection privée 

Sur cette photo de 1984, Jean-Louis Prat (debout à droite),

Commissaire artistique de cette exposition

"Lorsque Chagall venait déjeuner chez Marguerite et Aimé Maeght en compagnie de Vava, son épouse, il retournait rapidement travailler.

Il se retrouvait à la lumière de son superbe atelier, en train d'inventer les sujets sur lesquels il revenait souvent pour les réinterpréter de manière totalement nouvelle. En nous proposant de rentrer dans de nouveaux rêves. Chagall ne restait jamais sur un acquis. Dans les discussions avec Aimé Maeght, il imaginait un livre, une exposition, il en parlait librement, avec l'envie de renouveler les expériences.

[...]

J'ai eu la chance de le connaître en arrivant à la Fondation Maeght à Saint-Paul, j'avais alors vingt-neuf ans, lui était déjà âgé."

(Jean-Louis Prat dans le Journal de l'exposition)

Marc Chagall à La Colline, à Saint-Paul de Vence, vers 1975

"Quand je peins, je peins; ce à quoi j'ai pensé et ce que je voulais exprimer, je l'apprends ensuite par les journaux." (Marc Chagall)

"Si toute la vie va inévitablement vers sa fin, nous devons durant la nôtre, la colorier avec nos couleurs d'amour et d'espoir." (Marc Chagall - Citation du Journal de l'exposition).

Toutes les photos sont personnelles, sauf si précisé. Pour la plupart je les ai recadrées, sans l'encadrement. Beaucoup d’œuvres sont sous verre, pour leur protection, d'où la qualité aléatoire de mes photos. Et pourtant ce sont des verres, magiques, anti-reflets que l'on ne soupçonne même pas.  Magique!

Pour l'élaboration de ce billet je me suis inspirée de la brochure et du Journal de l'exposition, qui m'ont menée vers des recherches, passionnantes, que je ne pouvais toutes retranscrire ici : l’œuvre de Chagall est vertigineuse. La chronologie n'est pas celle de l'exposition, la mienne est désordonnée, dans l'ordre (ou plutôt le désordre) des photos que j'ai prises durant ma visite... le 22 septembre!!! (L’exposition se termine le 1er novembre). Je ne pensais plus au billet que je m'étais promise de faire, tant je rebondissais d'un document à l'autre, je passais mon temps à lire, je découvrais Chagall; c'était tout de même une sacrée découverte! Mais j'avais déjà été initiée par David McNeil de la plus charmante façon. J'ai un peu "zappé" LA BIBLE à l'exposition. Allez savoir pourquoi; c'est dommage? Oui, sûrement. Dieu (s'il existe mais je n'y crois pas) me pardonnera. J'ai tout de même contemplé, longtemps, sa Crucifixion en jaune, en me remémorant Le Christ jaune de Paul Gauguin... Mais aussi le  tien, bleu, dont je n'ai pas de photo, malheureusement. Le symbole du Christ a inspiré de nombreux artistes.

Marc Chagall,  Crucifixion en jaune, 1942

Paul Gauguin, Le Christ jaune, 1889

Gauguin a peint ce tableau, à Pont-Aven, où il s'était installé trois ans plus tôt (Chagall n'était pas encore né! 1887). Et si aujourd'hui l’œuvre est conservée à New-York (Albright-Knox Gallery) on peut voir dans la chapelle de Trémalo à Nizon, près de Pont-Aven, un Christ en croix; cette chapelle vaut la visite.

Christ en croix dit Le Christ jaune

depuis qu'il a servi de modèle à Gauguin, qui l'a peint.

(Photo :  Yann Gwilhoù pour Wikipédia)

  Mais là, je m'égare de mon sujet : Marc Chagall!

Crédit photo : Arcane 17